Sí a los nervios escénicos

La ansiedad

El miedo escénico es uno de los elementos más destructivos en la actuación en público. Se le culpa a los nervios, pero su raíz está en las inseguridades que desarrollan algunos músicos, otros artistas y personas que se exponen ante un público. Por parte de quienes padecen problemas de ansiedad escénica existe la certeza que representa una deficiencia, es algo que incomoda y avergüenza por demostrar inseguridad física y mental. Los síntomas de la ansiedad son varios, en general se siente una falta de confort físico, tales como: tener las manos frías o sudorosas, agarrotamiento, temblor en manos o piernas, boca seca, dolor de estómago, se dispara la adrenalina, se acelera la respiración y el pulso cardiaco, entre otras. Bajo esta situación, los músicos tienen que tocar pasajes complicados, lo que aumenta la sensación de ansiedad. Se podría decir que, el miedo escénico es simplemente una exageración de estos síntomas.

Resulta oportuno aclarar aquí la diferencia entre ansiedad y miedo. Cuando lo que se experimenta es un estado de miedo, su desencadenante es sobre algo específico, existe un peligro real y es fundamental para la supervivencia. En cambio, la ansiedad es una reacción sobre algo más vago, es un sentimiento de incertidumbre y falta de seguridad frente al peligro.

El peligro es el recital en sí mismo

La ansiedad es un estado inherente al ser humano. Tener nervios ante una exposición pública es normal y muy beneficioso. Estar ansioso por tocar crea una cierta fuerza conductora que es positiva para el músico. Donde la ansiedad empieza a ser un problema es cuando la actuación en público se visualiza como un peligro y los nervios no se pueden controlar, convirtiendo la experiencia del escenario en una pesadilla, por no saber revertir la energía generada por la adrenalina en algo positivo.

Ante la expectativa de una exposición pública, empiezan a surgir preguntas, tales como: si me saldrá bien la audición, el concurso, el examen, si me cogerá este buen profesor, etc; de este modo, se van creando los primeros miedos e inseguridades. En el caso de algunos violinistas solistas, aparecen varios miedos referidos a la técnica: en los pasajes rápidos, en las posiciones agudas, si el sonido será lo suficiente potente, si se acertarán los cambios de posición lejanos, si fallará la memoria, si se estará cómodo con el instrumento, etc. Incluso, se dan casos de violinistas que experimentan la sensación de como si se les fuera a caer el violín o el arco. Las causas de la ansiedad pueden ser varias y se pueden agrupar en tres categorías: Físicas, Mentales y Sociológicas.

Los músicos ante su público 

Los violinistas como músicos y artistas que son, trasmiten las obras maravillosas compuestas por los grandes músicos y por tanto, se les presume unas capacidades extraordinarias como, la creatividad, imaginación, arte que les convierte en personas que conectan, comunican y hacen vibrar al público.

Cada vez hay menos de estos artistas. Quizá, esta escasez haya que encontrarla en las aulas, que por parte de padres y educadores demandan mayor éxito y perfección técnica dejando de lado la parte artística e imaginativa, de disfrute y comunicación del alumno. El mundo de los músicos está impregnado de continuas conductas competitivas que hace que trasciendan al público. Así, estos en lugar de disfrutar el concierto, van a juzgar y a comparar. Sólo hay que ver la actitud que tiene el público que asiste al teatro o el que que asiste a un concierto de música clásica. El público de música clásica viste muy rígido y formal, está serio y circunspecto mientras que el del teatro está allí para disfrutar y esto se ve también en la forma exterior de expresarse.

Claves para gestionar positivamente los nervios

Aunque la situaciones son únicas e incomparables, nos puede dar una clave la actitud que adoptan los violinistas gitanos húngaros. ¿Por qué no se les ve angustiados, y demuestran placer al tocar? Una respuesta puede ser porque no tienen más obligación que la de comunicar. Están libres del comercio musical y no han estudiado con métodos rígidos, su 
postura es flexible, no hay rigidez ni estatismo porque tocan con total libertad de movimiento, la música les sale del cuerpo al tener un gran impulso rítmico que nace de dentro y que se convierte en energía expresiva

Establecer un equilibrio corporal, fluidez de movimientos junto con un buen ritmo

Al hilo del párrafo anterior, una de las prioridades que hay que enseñar a los alumnos será la de establecer, desde el comienzo, una posición equilibrada con el instrumento que genere la libertad de movimientos. Se deberá prestar atención y revisar continuamente la colocación del violín y la postura corporal para que esté flexible. Cuando el cuerpo adopta una postura rígida origina tensión y puede ser uno de los motivos de la aparición de la ansiedad. La finalidad será conseguir que el instrumento sea como una prolongación del cuerpo, que no necesite ser sujetado, sino que se toque a través de él. Simultáneamente con la adquisición de una buena posición con el instrumento, se educará al alumno para que logre un buen pulso y un dominio del ritmo; para que consiga una buena coordinación, respiración y origine un buen impulso musical desde su interior. El equilibrio corporal, el estudio del movimiento y la educación rítmica son la base para un buen desarrollo técnico y musical, tal como expone Paul Rolland en su método “The Teaching Action in Violin Playing”. Del mismo modo, como dice Kato Havas, cantar ayuda a relajar la tensión y a controlar la ansiedad, además de ser un buen recurso que nos conduce a nuestro interior donde se genera el impulso musical. Cantar es el camino para hacernos músicos primero y luego violinistas.

La atención y la concentración como base para mantenerse enfocado

Poseer buenos hábitos de estudio es importantes para dominar un instrumento y por tanto, rebajar la tensión que se experimenta al tocar en público. El estudio debe ser regular, de nada sirve estudiar un día mucho y los días siguientes nada. La regularidad le va a dar al estudiante control y un buen desarrollo en el aprendizaje de su instrumento. La planificación del trabajo diario no sólo deberá constar del estudio dirigido a dominar el instrumento y el estudio de la música a interpretar, sino también deberá dedicar un tiempo al entrenamiento de la interpretación, donde se trabaje la representación tal como se desea hacerla en público. Un buen recurso será grabarse en audio o en vídeo con regularidad.

Es conveniente, tanto en la sesión de práctica como durante las clases que se reciban, mantener un buen estado de atención para analizar y extraer información de todo lo que ocurre, no dejando pasar errores sino identificando cada uno de ellos, sabiendo por qué ocurren y buscando soluciones. Este tipo de  enfoque en el estudio diario es un buen entreno para el desarrollo de la concentración y para mantenerse enfocado en la tarea. Además, el desarrollo de esta capacidad es de gran importancia en la actuación en público. Las personas que demuestran no tener miedo escénico están concentradas en dar, tienen mucha disciplina mental y física y gran precisión técnica. Si bien es cierto, la concentración no aparece de la nada, esta deberá ser trabajada a lo largo de cada clase y cada sesión de práctica. Cabe mencionar también que, es de vital ayuda tocar frente a los compañeros de clase regularmente, porque permite a los alumnos conocer y medir el grado de seguridad que hay que tener para salir y tocar en público.

Comunicación y autenticidad

Frecuentemente, se ocupa la mente en pensamientos negativos que no ayudan a estar enfocado en la música, ni tampoco en lo que se tiene que comunicar, como por ejemplo: luchar por no estar nervioso, que no suden las manos, estar pendiente del qué dirán, las críticas, querer tener éxito, etc.; en vez de enfocar la mente en la música y dejar que la mente y el cuerpo entren en sintonía con la expresión y la belleza de la música que se va a interpretar. Otras interferencias que suelen aparecer son pensamientos tales como, que se van a fallar tales o cuales pasajes, restando confianza y creando inseguridades. Generalmente, si se ha trabajado la obra a conciencia, si los pasajes salen satisfactoriamente, si están seguros y no hay dudas sobre ellos, no deberían aparecer problemas en público. No obstante, ayuda aceptar que los errores pueden aparecer, sólo hay que entender que de los errores aprendemos porque nos proporcionan información para seguir mejorarando todos los días. Si ocurren, no deberían magnificarse ni darles una importancia exagerada. Desde luego, no se puede salir a escena pensando sólo en la parte mecánica. A parte de la preparación técnica exhaustiva, la preparación también tiene que ser musical. Se debe conocer bien la obra, su estructura, los recursos expresivos que la obra plantea, cómo y qué se quiere comunicar en cada momento. En este mismo sentido, trabajar en la propia expresión y entendimiento de la obra es esencial para que el resultado sea auténtico y se toque con mayor convicción y libertad. Por el contrario, copiar versiones de otros sólo crea en los alumnos inseguridades y falta de confianza en la capacidad creativa de ellos mismos

Lo importante no es uno mismo, es la música

Cabe agregar que, el crecimiento técnico y musical está relacionado con la imagen que se tenga de uno mismo; cuanto más ajustada se tenga esta imagen personal, tanto mejor se enfocará el trabajo y se avanzará en la línea correcta. La aceptación de lo que se es sin pretender dar una imagen equivocada de lo que no se es, ayuda no sólo a aceptarse sino también a aceptar que siempre hay alguien mejor. Esto es relevante cuando hay que exponerse en público; en el momento de la actuación, no hay que demostrar nada, tan solo dirigir el pensamiento hacia el objetivo que es la música, dar, comunicar y emocionar. Con esta intención será más fácil mantenerse enfocado y se dejará de estar pendiente de uno mismo.

Podríamos relacionar este pensamiento con el concepto de la escucha de nuestra voz interior. Kato Havas, en su libro “Stage Fright”, lo expresa del siguiente modo: “La escucha interior se produce siempre un paso por delante del momento actual de lo que se está tocando. Esto origina que la mente esté ocupada conjugando la información que ha sido absorbida y recogida en la imaginación sobre la obra. Por tanto, la escucha y su naturaleza creativa va siempre por delante del tocar”. Cuanto más se utilice la escucha interior tanto más se aprende a olvidarse de cuestiones superfluas, tales como, mi técnica, mi sonido, las impresiones que los demás tienen sobre mi manera de tocar, el éxito, etc., hasta que uno llega a olvidarse de si mismo en favor de la música.

Conclusión 

Son varias las causas y las razones que aparece el miedo escénico y cada persona puede tener las suyas propias. Aquí, sólo se ha visto algunas de las causas posibles, quizás las más comunes. No obstante, podremos erradicar el miedo escénico canalizando adecuadamente la energía y así cumplir con nuestro objetivo, a saber, dar a la gente que nos escucha, a través de la música, una comprensión de ellos mismos, y elevarlos estética y emocionalmente en el disfrute de la música.

Finalmente, diremos que los nervios deberían ser nuestros aliados y darles la bienvenida cada vez que aparecen al tocar públicamente. Son positivos y una fuente de energía en el momento del escenario, nos dan vigor y fortaleza para tocar, nos hacen estar alertas y muy sensibles a la música.

Lecturas recomendadas

ROLLAND, PAUL. (1974,1986) The Teaching Action in String Playing. University of Illinois String Research Project. USA: Boosey and Hawkes

KATO HAVAS (1973) Stage Fright its Causes and Cures With Special Reference to Violin Playing. London: Bosworth & Co. Ltd

FERNANDO RAMOS LEAL, Cómo Superar el Miedo Escénico para Músicos. Publicado por Jesús Fernández, Deviolines.com

Estrategias de Estudio: Ritmo

Cuando existe un pasaje dentro de las obras o estudios que contiene un problema rítmico, podemos abordarlo de diferentes maneras para comprenderlo y solucionarlo. Aquí dejo algunas sugerencias de cómo estudiar dicha problemática.

1- Dividir por tiempos los sitios donde hay un problema rítmico en la partitura.
2- Cantar el pasaje marcando los tiempos del compás, dirigiendo o haciendo palmas.
3- Tocar el ritmo en una cuerda al aire.
4- Tocar el ritmo en una cuerda al aire y marcar el ritmo con el pie en los pulsos.
5- Tocar el ritmo en una cuerda al aire y contar en voz alta los pulsos, 1,2,3
6- Tocar el ritmo en las diferentes cuerdas al aire en el que aparece el pasaje.
7- Tocar el ritmo en las diferentes cuerdas al aire en el que aparece el pasaje y marcar las subdivisiones con el pie.
8- Tocar el pasaje con las notas pero, transformando los valores de las notas a un valor más lento, con metrónomo. Si el pasaje está en semicorcheas y corcheas, tocarlo en corcheas y negras.
9- Tocar igual que el ejercicio anterior contando en voz alta cada pulso.
10- Tocar sólo las notas donde cae el pulso.
11- Tocar sólo las notas donde cae la subdivisión del pulso.
12- Tocar sólo las notas que forman un tiempo y la primera nota del siguiente pulso y colocar una pausa. Repetir la fórmula para cada pulso.
13- Tocar el pasaje con las figuras escritas y contar los pulsos ( 1,2,3 )
14- Tocar el pasaje con las figuras escritas y contar los pulsos subdividiendo ( 1y2y3y )
15- Tocar el pasaje con el metrónomo en el pulso.
13- Tocar el pasaje con el metrónomo en la subdivisión del pulso.
16- Tocar con diferentes ritmos para la coordinación entre las dos manos. (Largo-Corto; Corto-Largo; Largo Corto Corto; Corto Largo Largo; etc.) Aplicar diferentes ligaduras.

Estrategias de Estudio sobre la Afinación

Cuando se trata de aprender nuevo repertorio, el alumno se enfrenta a una serie de retos, pasajes de la obra que presentan dificultades como de, coordinación, afinación, sonido o ritmo que hay que solucionar. Ante un pasaje problemático, habrá que descubrir dónde se producen los errores técnicos. Normalmente, los errores se producen entre dos notas, la tarea será detectar estas notas, el por qué se produce el error y encontrar los métodos adecuados de trabajo para solventarlo. El avance que el alumno haga dependerá de la calidad de su estudio diario.

En este primer artículo sobre las estrategias de estudio, nos centraremos en el tema de la afinación. Para este fin,  he preparado unas cuantas estrategias sobre cómo abordar el trabajo de la afinación.

Elegir de la lista 5 estrategias cada vez y practicarlas despacio entre 10 y 20 veces cada una, escuchar cada repetición y pensar en cómo se podría mejorar la siguiente repetición. El aprendizaje instrumental tiene un alto componente motor, es por eso que la repetición es imprescindible para desarrollar las destrezas motoras y para adquirir comprensión, seguridad, perfección, habilidad y respuesta automática.

Afinación, aprender secuencia de notas.

1. Cantar el pasaje con buena afinación y memorizar. Mucha atención hay que tener cuando se producen grandes saltos.
2. Marcar en la partitura donde hayan semitonos en el pasaje.
3. Tocar cada nota en un arco y despacio.
4. Tocar la primera nota de cada pulso/compás/ más larga, luego la segunda, la tercera y así sucesivamente.
5. Comparar las notas GDAE del pasaje con las cuerdas al aire.
6. Comparar todas las mismas notas, comprobar que tengan la misma afinación.
7. Colocar las notas de un pasaje por orden ascendente desde la más baja hasta la más alta y repetir esta secuencia 1234/4321 20 veces.
8. Colocar las notas de un pasaje en orden, como la estrategia anterior y realizar diferentes patrones con los dedos. Ejemplo: 1324, 2143,1432, 1423, 2413, 2431....
9. Ligar de dos en dos las notas del pasaje encadenándolas. Ejemplo: A, AC, CE, EF, FD,DB.....
10. Buscar la tónica y tocarla con el afinador mientras se tocan con el instrumento todas las notas del pasaje, escuchar cada intervalo que se produce.
11. Buscar todos los intervalos de 4ªs y 5ªs del pasaje y afinar estos intervalos.
12. Tocar el pasaje con el ritmo escrito suelto y ligado a la mitad de velocidad ( si el pasaje está en semicorcheas tocarlo en corcheas) con metrónomo.
13. Tocar el pasaje como esté escrito, con metrónomo empezar despacio e ir subiendo la velocidad.
14. Identificar los cambios de cuerda de cada pasaje. Aislar las dos notas que producen un cambio de cuerda, mantener ambos dedos y tocar las 2 notas como una doble cuerda. Preparar la mano y el dedo que cambia de cuerda. Repetir este paso.
15. Identificar los cambios de cuerda de cada pasaje. Parar en cada cambio de cuerda, tocar todas las notas que están en una cuerda, parar en el siguiente cambio de cuerda, tocar las notas de la siguiente cuerda. Más adelante tocar el pasaje como está escrito.
16. En los cambios de posición aislar cada cambio y practicarlo por separado, observando que los dedos estén ligeros en posición de armónico en el momento del cambio. Luego insertar las demás notas
17. En los cambios de posición aislar el cambio y practicarlo con el dedo guía ligado, suelto, con diferentes ritmos y velocidad.

Guía para elegir un arco

Esta pequeña guía pretende ayudar a los alumnos a elegir un arco que se ajuste a sus necesidades. Hay que tener en cuenta que un buen arco no suplirá las carencias técnicas, pero sí potenciará el dominio que se tenga del arco e incluso facilitará su uso y mejorará la calidad del sonido.
Puede ser un error pensar que el arco que se adquiera ahora vaya a ser para toda la vida pues la exigencia de lo que se quiere y se busca en un arco y el desarrollo técnico y musical van unidas e irán creciendo y cambiando a lo largo del tiempo.

MATERIALES

Los antiguos y grandes constructores de arcos, la mayoría franceses como Voirin, Pecatte, Tourte, Fetique, Collin-Mezin, Bazin, Lamy... construyeron sus arcos con madera de pernambuco.  Esta madera que viene de Brasil tiene unas propiedades excelentes en los arcos, las varas tienen fuerza, flexibilidad y muy buena respuesta sonora. Actualmente, a causa de la escasez del pernambuco, se ha sustituido esta madera  por otras maderas de Brasil o de otros países tropicales más baratas y también por arcos hechos de fibra de carbono y fibra de vidrio, muy resistentes y con buen equilibrio.

Los arcos presentan varias características a tener en cuenta que influyen en el sonido y un su manejo, estas son: el peso, el equilibrio, la forma, la resistencia de la vara.

PESO Y EQUILIBRIO

El peso de un arco de violín varía entre los 54 gramos y los 63 gramos aproximadamente. Aunque más importante que el peso es el equilibrio que tenga el arco. Si el punto de equilibrio se encuentra demasiado cerca de la nuez la sensación es de ligereza, por el contrario, si este punto de equilibrio está demasiado hacia la punta la sensación es de pesadez. Un arco bien equilibrado es cuando el punto de equilibrio hace que el peso se distribuya homogéneamente por toda la vara desde la punta hasta el talón.

RESISTENCIA Y FORMA

Hay gran variedad de resistencias en las varas. Es útil saber que una vara demasiado flexible produce un sonido lleno, con suavidad, redondo,  pero le faltará definición, costará manejar los golpes de arco y le faltará potencia porque enseguida la vara cederá demasiado haciendo que la madera toque las cuerdas. Si nos vamos al otro extremo, una vara demasiado dura y rígida conseguirá un sonido brillante, muy definido con gran claridad pero costará entrar en la cuerda, si es muy dura incluso el sonido puede ser áspero.
Muchos fabricantes construían el mismo modelo de arco con la vara redonda y octogonal, siendo esta última más cara. La vara redonda suele ser más flexible que la octogonal.

Según lo explicado hasta aquí hay que buscar que el arco tenga también un equilibrio en cuanto a la resistencia se refiere, debe contener estos dos componentes, flexibilidad y fuerza para que la respuesta del sonido sea la adecuada y se ajuste a las exigencias de cada uno.

EN LA TIENDA 

Tenemos que tener claro el presupuesto pensado para la compra del arco, aunque también podemos probar algunos un poco más caros. Para educarse en el conocimiento de los arcos y adquirir criterio en la elección del arco, será necesario probar varios arcos antes de comprar.

Se llevará el propio arco que servirá como referencia para poder comparar con los que se prueben y también el propio violín para comprobar cómo cambia el sonido de un arco a otro.

Probar varios arcos, 5 o 6 y elegir entre éstos 1 o 2. Seguidamente, pedir que  muestren unos cuantos más para compararlos con los que se han elegido.

Realizar la misma prueba con cada uno de ellos. Recordad que se está en la tienda para elegir un arco y no para dar un concierto. Así que podemos hacer el siguiente test:

•  Comprobar que la vara esté recta, que no se tuerce ni hacia la derecha ni hacia la izquierda. Se puede observar esto mirando el arco desde el talón hacia la punta con el arco apuntando hacia abajo.
• El arco en la mano no debe sentirse ni muy ligero ni muy pesado
• Colocar el arco a un ángulo de 45º, en esta posición comprobar que el arco se siente natural en la mano y que su equilibrio va desde la punta al talón.
• Comprobar la resistencia de la vara y que no se incline demasiado hacia los lados.
• Pasar el arco lentamente por la cuerda observando si existe alguna vibración o algún temblor en la vara. 
• Tocar una combinación de golpes de arco, legato, saltillo, spiccato, staccato, martelé y observar su respuesta
• Tocar en la punta, centro y talón y comprobar que se debe estar igual de cómodo en cualquier parte del arco.
• Tocar legato lento escuchando el sonido que produce en el violín con cada uno de los arcos. Estar atentos a los ruiditos superficiales de la cuerda, diferencias en cuanto a la claridad, sonido lleno, suave, brillante, rugoso, etc.
• Se puede tocar un estudio que contenga cambios de cuerda, diferentes registros, algún fragmento cantabile o simplemente una escala. 

Elegir entre todos los arcos probados en la tienda 2 o 3 y pedir que se permita llevarlos a casa para seguir probando durante una semana.

Si la opinión del profesor es importante y puede ser de ayuda en la elección del arco, no se dude en contar con su apreciación. En este período de prueba, tocar con ellos en diferentes situaciones, en la clase, en la orquesta, en cámara.
Recuerda que lo más importante es que a ti te guste y te sientas cómodo con él.

Cómo trabajar los Acordes

En la realización de los acordes están involucradas las dos manos, así pues cuando se estudian los acordes en ejercicios, estudios o en el repertorio, se deberá abordar el trabajo de ellos pensando en la técnica que implica la mano derecha, la producción del sonido y en la izquierda, la afinación y la construcción del acorde y su enlace con los siguientes. Estos tres aspectos técnicos que están implícitos en su ejecución se deben estudiar y dominar por separado para poder tener un perfecto control de los acordes...Ver más

Aprender a Estudiar y Estudiar para Aprender

Banco de imágenes Intef

Para aprender cualquier disciplina es necesario estudiar y tener un buen método de estudio que facilite el aprendizaje. Esto significa que el estudio no depende tanto de la cantidad de horas que se practique sino de la calidad que se realice el estudio. Por tanto, se requiere de unas ciertas habilidades de estudio para aprender con un alto rendimiento y lograr con menos esfuerzo y menos pérdida de tiempo los objetivos fijados. Las estrategias que se empleen son de vital importancia para aprender porque organizan, ayudan a pensar, facilitan la observación e invitan al análisis.

 Los maestros que enseñan disciplinas cuyo elemento relevante es la motricidad, nos dan una serie de estrategias acerca de cómo practicar. Desde entrenadores deportivos hasta profesores de instrumentos musicales, todos ellos están de acuerdo en una de ellas, y es que para dominar una destreza y llevarla a su perfección, el entreno o el estudio debe realizarse lento.

En el caso de dominar un instrumento, se trata de poder archivar en nuestra mente cada movimiento y cada paso claramente, es decir, trabajar cada una de las conexiones que implica cada aspecto técnico a aprender, sin dejar lagunas ni aspectos por resolver. Es en este modo lento que podremos ser conscientes y estar atentos a todo lo que ocurre en nuestra práctica y donde se podrá observar cada detalle sin que se escape ninguno por trabajar. Por ejemplo, cuando se produce cualquier imperfección por pequeña que sea se podrá descubrir con facilidad dónde se ha producido y el por qué ha ocurrido, o descubrir qué aspectos pueden estar mejor comparándolos con otros ya bien resueltos. El aprendizaje y las conexiones que se establezcan en nuestra mente serán más profundas, eficientes y duraderas. Es así como los errores se ven como oportunidades para aprender en vez de algo negativo a esconder.

El estudio rápido no deja espacio para pensar, ni observar, ni evaluar, ni analizar bien cada paso que se está dando. Así que en vez de construir un aprendizaje sólido se pierde la oportunidad de entender y aprender, quedando muchos  detalles sin una buena resolución y destrezas sin perfeccionar. Al no haber resuelto correctamente los pasajes, la mente no puede dar órdenes precisas, creando  de este modo dudas y miedos que aparecen especialmente cuando se toca en público o incluso se va arraigando la sensación y la convicción de que se es incapaz de dominar cualquier pasaje que encierre una dificultad.

Por el contrario, al trabajar súper despacio no sólo se practica motóricamente con precisión la destreza que se quiere dominar sino que además se podrá observar con mayor claridad lo que ocurre y evaluar simultáneamente el resultado de dicha práctica y al mismo tiempo darnos instrucciones sobre las pautas a seguir, facilitando con este diálogo íntimo la comprensión de lo que se estudia.

En este enlace se podrán ver varios de los consejos que Itzhak Perlman da acerca de cómo enfocar el estudio

Producción del Sonido: Martelé

El trabajo y perfeccionamiento del martelé es importante  para desarrollar un buen sonido y en su dominio encontrarán beneficio los demás golpes de arco.  

Este golpe de arco puede ejecutarse con cualquier cantidad de arco y en cualquier región del arco. Los sonidos producidos por el golpe de arco en martelé son sonidos separados unos de otros, en el que hay un ataque definido en el comienzo y en el final de cada nota. El martelé utiliza sólo el peso del brazo produciendo una resonancia después del ataque inicial. Es un golpe de arco que empieza y termina en la cuerda y el arco es liberado utilizando el peso del brazo.

El martelé proporciona al alumno la primera sensación de fluidez del arco y libertad en la utilización de todo el arco.

Para ejecutarlo hay que tener en cuenta: Ver más

Encuesta sobre los Hábitos de Estudio

Uno de los objetivos que como estudiantes debemos perseguir es ser eficientes en nuestro trabajo diario. El estudio diario es una continuación de la clase recibida semanalmente por el profesor, en el que el alumno se convierte diariamente en profesor de sí mismo. La sesión de estudio necesita de una mente despierta que controle, juzgue y planifique bien el trabajo. Es un error demasiado frecuente, que los dedos y músculos estén realizando repeticiones mientras que la mente está desligada de lo que está ocurriendo. Nada de lo estudiado así, quedará bien archivado en nuestra mente y, en el peor de los casos, habremos estado practicando para que nos salgan muy bien los errores.

Para que penséis cuál es vuestro estilo de estudio y qué aspectos cambiaríais o cuáles otros adoptaríais, os he preparado esta encuesta para evaluar vuestros hábitos de estudio.

Técnica: Estudio de las Escalas

Las escalas se han estudiado desde que se construyó el primer violín y surgió el primer violinista. Su estudio no sólo es importante porque desarrollan muchos aspectos técnicos, sino que además ayudan a la mente a enfocarse para el estudio diario. Existe una gran variedad de maneras de trabajarlas. Entre las distintas formas que se pueden estudiar, elegiremos aquellas que nos ayuden a trabajar aquellos aspectos que queramos mejorar.

Técnica: Desarrollo de la Habilidad de la Mano Izquierda

Los ejercicios de The School of Violin Technics nº 1 Schradieck son excelentes para el desarrollo de la destreza de la mano izquierda. Tendremos en cuenta para trabajar estos ejercicios:

1. Equilibrar la mano desde el 3º y 4º dedo, extendiendo 1º y 2º dedo hacia atrás.
2. Relajar cada dedo después de tocar, manteniendo los dedos flexibles
3. Mantener los dedos en la cuerda siempre que se vuelve a ellos dentro de la misma posición.
4. Utilizar todo el arco, manteniendo la misma velocidad, presión y dinámica.
5. Afinación exacta.

Aquí os dejo un vídeo de los ejercicios del 1- 12 de Schradieck

Técnica: Escalas y Arpegios

Os he insertado esta pequeña presentación que he realizado que muestra cada aspecto imprescindible que debéis tener en cuenta cuando trabajéis diariamente vuestras escalas y arpegios.




Aquí encontraréis un ejemplo de una de las maneras de trabajar una escala. Si prestáis atención os daréis cuenta que esta alumna está utilizando el metrónomo, herramienta esencial para el buen trabajo técnico.